Mikey Feio

Eso es sin más dobleces lo que puedes ver en Mickey Feio, una recopilación de interpretaciones de Mickie Mouse a cual más bizarra. Cualquiera puede mandar su reinterpretación del icono Disney, lo que hace que la calidad de los trabajos sea dispar. La imagen que ilustra este artículo pertenece a Marcelo Braga un ilustrador brasileño que en su blog Diburros muestra una interesante colección de dibujos y bocetos te todo tipo. Lo suficiente como para pasar unos minutos de tu vida viéndolos.

De lo espiritual en el arte (Kandinsky)

Representada en un gráfico, la vida espiritual sería como un triángulo agudo dividido en tres partes desiguales. La menor y más aguda de ellas señala hacia arriba; a medida que se desciende, cada parte va agrandándose y ensanchándose.

Este triángulo tiene un movimiento lento, casi imperceptible, hacia delante y hacia arriba: en el lugar donde hoy se halla el vértice superior, mañana estará la parte siguiente. De tal manera que, lo que hoy es inteligible para el vértice superior y, en cambio, parece una perogrullada al resto del triángulo, estará mañana cargado también de sentido y razón para otra parte de la figura.

En la cima del vértice hay, muchas veces, sólo un hombre. El gozo de su contemplación es igualable a su desmedida tristeza interior. Los que se encuentran cerca de él no lo entienden, y con indignación, lo acusan de loco o impostor. De esta manera vivió Beethoven, injuriado y solo en la cima ¿Cuánto tiempo fue necesario para que una sección mayor del triángulo llegara adonde él estuvo sólo? Y aún cuando existen infinidad de monumentos, ¿fueron realmente tantos los que llegaron hasta esa cumbre?

Nathan Jurevicius

Nathan Jurevicius (www.nathanj.com.au) es un ilustrador australiano de 33 años, residente en Melbourne y que ha conseguido hacerse un nombre a nivel internacional con su projecto Scary Girl. Este nombre identifica la colaboración del ilustrador con la marca de figuras de diseño de Hong Kong Flying Cat. Fruto de ello son una serie de figuras, ilustraciones y una completa web con fondos de escritorio, juegos flash: www.scarygirl.com.El estilo surrealista e inconfundible de Jurevicius queda si cabe más patente en esta serie con figuras que representan seres dificilmente descriptibles tan sólo con palabras.

Bartolo Torres

Nace en Ibiza en 1978.

Comienza su actividad artística participando en diversas exposiciones en las Islas Baleares, además de realizar trabajos relacionados con la ilustración y el diseño para diversos medios y empresas.

Ha colaborado, con historietas o con ilustraciones,: en las siguientes publicaciones: el fanzine "Apokaleches" (1997), el periódico PROA, la revista BELIO " aqui fue donde empece a ver sus ilustrciones" (2004), la revista Esquitx (2004), el fanzine TOS (2005)

Entre los premios que ha obtenido por su trabajo, destacan: el premio al mejor guión de cómic por la obra "P.E.P.S.I." en el concurso ART JOVE 2003, organizado por el Govern de les Illes Balears y el Segundo premio ex aequo de cómic por la obra "Frankie busca amigos" en el concurso ART JOVE 2004.

En la actualidad vive y trabaja en Barcelona.

Su trabajo más destacado es el dibujo de la tira cómica para internet “El Joven Lovecraft”, guionizada por José Oliver, el cual será también su primer álbum en 2007, publicado por DIÁBOLO EDICIONES.

El Velázquez más narrativo llega al Prado

Explorar y profundizar en la faceta de Velázquez como pintor narrativo es el fin de la exposición Fábulas de Velazquez. Mitología e historia sagrada del Siglo de Oro, que el museo del Prado presentó el pasado lunes e inaugurará el 19 de noviembre.

La muestra está compuesta de cincuenta y dos obras, veintiocho de ellas de Velázquez. Doce de ellas son prestadas y provienen de fuera de España, como la Venus del espejo o Cristo en casa de Marta y María, de la National Gallery de Londres.

Sorolla, de vuelta a su Valencia natal

El pintor Joaquín Sorolla vuelve a Valencia, ciudad que le vio nacer, con la exposición:
Sorolla. Visiones de España
que se exhibirá en el Centro Cultural Bancaja.
La muestra recoge catorce de sus grandes murales con el objetivo de mostrar la visión del pintor sobre diferentes regiones de España. La colección expuesta procede de la Hispanic Society de Nueva York y en los dos próximos años se prevee que viaje por diversas ciudades españolas.

El primer artista Pop

rescato este texto del diario ADN de hoy...

Quien crea que fue Warhol el primero en pintar una marca de detergentes, que vuelva al final de la clase, y en silencio por favor.

Un siglo antes de las cajas de Brillo, en 1886 John Everett Millais vendió Bubbles, una pintura cursilona de un niño jugando con pompas de jabón a la marca Pears. Un gesto que, para algunos, apartó al fundador del movimiento prerrafaelita de la grandeza pero que le hizo rico y le ayudó a convertirse en sir y a ganarse un lugar en el panteón cultural. Millais, que había asomado a la vida cultural como un Rimbaun impetuoso y naïf (le llamaban "el niño" en la Royal Academy), la acababa convertido en una especie de Elton John. Millonario, encumbrado y necesario en cualquier evento.

No es ese, claro, el Millais que ahora reivindica la Tate Britain con una exposición monográfica que se puede visitar hasta el 13 de enero en Londres. El autor de la imposiblemente romántica Ofelia ofendió a Dickens con su realismo sangrante, le robó la mujer a Ruskin (y anuló aquel matrimonio por impotencia) y murió intentando que la naturaleza pareciese un poco más natural.

Ahora que Sorolla -otro triunfador del gusto popular- va al IVAM y al Prado con honores ¿veremos a otro embrión pop rehabilitado?

John John Jesse

Jhon John Jesse ilustrador nacido a finales de los 60 empezó a correr mundo tocando en Nausea, un grupo punk de segunda fila que gozó de cierta fama en su tiempo tanto a este lado como al otro del charco. Un buen día decidió colgar el bajo y dedicarse a otra cosa.

John John Jesse tiene un puntito a Klimt, a Mucha o a otros lumbreras del Art Noveau. Sucede que ha llovido mucho tiempo desde entonces y el tipo se ha apropiado de otras iconografías y referentes para construir, consciente o inconscientemente, su estilo.

El punk también entra en la coctelera, claro. Y entre otras cosas también la representación tan en boga del teenager extremo, las referencias a iconos de la cultura popular de los últimos cincuenta años y el catolicismo (los que hemos ido a colegio de curas acabamos expiando el trauma de una forma u otra).Las obras de John John Jesse huelen a anarquía, sexo, sobredosis, no future, perversidad, derrota, energía y decadencia.

A LA SOMBRA DEL VESUBIO: POMPEYA Y HERCULANO

Exposición gratuita ofrecida por Obra Social Caja Duero desde el 21 de septiembre hasta el 6 de enero de 2008.

La exposición trata de algo que todo el mundo conoce; la erupción del vesubio en el año 79 de nuestra era que cubrió de lava Pompeya y Herculano (Nápoles). Este fenómeno fue descubierto durante las excabaciones realizadas en 1738 en Herculano y 1748 en Pompeya.

Y como yo no lo voy a explicar mejor aquí pongo un copypaste de la introducción de la expo. :p

<<"A la sombra del Vesubio: Pompeya y Herculano”, que recoge valiosas piezas sobre la cultura romana encontradas en estas dos ciudades del sur de Italia, sepultadas por la lava, la ceniza y el fango tras la erupción del Vesubio en el año 79 de nuestra era. Esta catástrofe ha permitido que los vestigios de esta civilización hayan llegado de una forma inusualmente perfecta hasta nuestros días: joyas, mármoles, murales, esculturas, bronces, objetos cotidianos que nos muestran cómo era la vida hace casi dos milenios.

La muestra cuenta con ochenta y siete piezas originales, de gran calidad y belleza, seleccionadas entre los fondos del Museo Arqueológico de Nápoles. Además se aportan acuarelas y pinturas del siglo XIX cedidas por el Museo Capodimonte de Nápoles, así como resinas —copias de los huecos dejados por personas y animales en la lava— procedentes de la Sopraintendenza de Pompeya. Completan la exposición materiales aportados por el Observatorio Sismográfico del Vesubio como registros de la actividad del volcán o muestras estratigráficas de las distintas capas que cubrieron estas ciudades.La exposición se inaugurará en Madrid, donde permanecerá hasta final de este año y posteriormente viajará a Mérida y Salamanca durante 2008.>>

Por último yo añadiré que es una muy bonita exposición pequeñita y muy acojedora, que para nada se hace pesada, puede que algo corta sí. Además como dato curioso exiven un plafón con una carta conservada escrita por Plinio el Joven al Emperador Tácito describiendo y explicando el fenómeno.

En conclusión es altamente recomendable si se quiere aprender algo más sobre la erupción del volcán, su historia, la vida romana... además de contemplar las bonitas esculturas, joyas y objetos conservados. Pasareis un rato agradable.

Natalia

"Seduced" arte y sexo para mayores de 18 años

Obras eróticas de artistas de todo el mundo se reunen bajo el nombre de 'Seduced' en la Barbican Art Gallery de Londres que permanecerá abierta al público desde el 12 de ovtubre al 27 de enero.

Seduced" es la mayor exhibición artística centrada en la representación del sexo a lo largo de los años. Está compuesta por cerca de 300 trabajos incluyendo mármoles romanos, pinturas barrocas, acuarelas chinas, fotografías modernas… Provocativa y ambiciosa, "Seduced" pretende generar un cambio de mentalidad hacia la representación de imágenes sexuales explícitas.

La exposición no es una pornográfica, como ha asegurado el centro cultural, sino una exhibición donde se expone una amplia visión del sexo. Desde un burdel de Pompeya, parejas haciendo el almor, una película de Andy Warhol donde se muestra una felación, y así hasta 250 objetos, que reúnen relievesy estatutas de Grecia y de Roma del periodo clásico al contemporáneo.
La entrada a esta exhibición será solo para los mayores de 18 años, y allí podrán observar exposición sobre sexo y arte, la primera que ha sa prohibido enteramente para menores de edad

Más de 70 artistas como Robert Mapplethorpe, Francis Bacon, Jeff Koons, Louise Bourgeois, Annibale Carracci, Jean Honore Fragonard, Guercino, Pablo Picasso, Auguste Rodin, Egon Schiele, Bartholomeus Spranger, J M W Turner, Kitagawa Utamaro y Andy Warhol, reúnen sus obras en la 'Barbarican', donde también se verán imágenes de actos homosexuales, que provocan controversia.
La galería incluye en su exposición obras de Jeff Koons haciendo el amor con su ex esposa, la ex estrella del porno italiana Cicciolina, así como el filme de Warhol 'Blow job'.

Esta galería pretende que el Museo Metropolitano de Nueva York les de para esta exposición un cuadro de Picasso, 'La douleur (scène erotique)', en el que el artista se retrata a sí mismo en pleno acto sexual, ya que el museo neoyorkino nunca se ha atrevido a mostrar al público ya que es muy explícito.

En la exposición también se encontrarán una parte sonora donde los asistentes podrán escuchar textos del Kama Sutra, lecturas de Sade y del autor de 'Lolita', Vladimir Nabokov.

un cos sense límits

UN COS SENSE LÍMITS
Fundació Joan Miró
Del 26 de octubre de 2007 al 27 de enero de 2008.


En los siglos pasados, el parecido habitó la pintura durante mucho tiempo. Lo mismo ha sucedido con el cuerpo, que se ha estudiado y analizado en las academias de Bellas Artes con imágenes bonitas y tranquilizadoras. En el siglo XX, surge un nuevo sentimiento. Nace una manera de ser, de vivir, de pensar. Aunque el academicismo vela y puede, de vez en cuando, retomar el paso. Ahora bien, los creadores conquistan una nueva libertad, y cada uno de ellos aprende a hacerse responsable de sí mismo.
¿Qué tienen en común las representaciones de un cuerpo de Derain, Matisse, Picasso, Bacon, Giacometti, Chagal, Miró, Freíd, Magritte, Staël, Klein, Tàpies? Nada, salvo la libertad de decir, no lo que ven, sino lo que son. Proclaman con fuerza la posibilidad de hacer aparecer un cuerpo en las incertidumbres de la vida.
Así, en la pintura, pero también en la escultura del siglo XX, el cuerpo está marcado, en muchos creadores, por una incesante inspiración y por unas contradicciones que han abierto vías insospechadas, audaces y generosas. Esos artistas nos revelan un tono, si no confesiones, confidencias reales cuando menos. Desde entonces, el cuerpo puede exhibirse sin complejos; no se disfraza con oropeles. Los artistas, conscientes de haber encontrado la posibilidad absoluta de expresarlo, traducen su grandeza, así como su extremada y dolorosa fragilidad. Tejen nuevas presencias, hechas tanto de distancia física como metafísica. El cuerpo reencuentra el sentido de los orígenes. En adelante, puede mostrarse sin sorpresa, sin trabas, sin misterio. Por el placer extremo de contemplarlo, por fin, en su verdad, bella, perturbadora, inesperada. Un cuerpo sin límites.

Chao, Pablo

Vivo prácticamente ausente del mundo, y hace tan solo tres días que me enteré de esta noticia. Me sorprendió, mucho, puesto que ya no podré cumplir una de mis metas, que era preguntarle a este hombre si realmente era familiar mío…..y es que, mi madre vive empeñada en que mi “vena artística” surge de los lazos familiares que, según ella, existen entre el gran pintor Pablo Palazuelo y mi abuelo. Pues está totalmente convencida de que eran primos. Es más, tanto ella como una prima suya, son capaces de ver un gran parecido físico entre los dos, cosa que, para el resto de la familia nos es imposible encontrar….Ella cuenta que mi abuelo (leonés de nacimiento) tenía una abuela de origen madrileño y unos tíos, apellidados Palazuelo que se fueron a vivir a Madrid, donde tuvieron familia y demás…. Y está convencida de que Pablo Palazuelo tiene que ser primo de su padre, además de por ese dato casual, por el “gran parecido” que tienen los dos y sólo le falta sentirse apoyada por su prima, que también admite que ese señor y su tío (osease mi abuelo) “tenían la misma cara”, para empeñarse en que yo he heredado ese interés por el arte gracias a los genes de esa parte de la familia…..pero en fin, dejando de lado este curioso dato, vamos a la triste noticia en sí que me ha llevado a publicar esto:

El pintor y escultor Pablo Palazuelo ha fallecido en su casa de Galapagar (Madrid) a los 90 años de edad. "Palazuelo pertenecía al grupo de los grandes junto con Chillida y Tàpies y fue el pintor de la geometría, entendida como metafísica", ha afirmado el también pintor Luis Gordillo.
Para Gordillo, amigo suyo y último Premio Velázquez, galardón que Palazuelo obtuvo en 2004, fue uno de sus "maestros, tanto por su arte como por su manera de comportarse. Fue un místico, un poeta, un artista solitario que se consagró exclusivamente a sus pinturas".

La verdad es que he tenido la suerte de ver varias obras suyas en diversos museos de la geografía española, y pese a que el arte abstracto y yo, no acabamos de congeniar, me parecen muy interesantes las obras de Pablo Palazuelo, sobretodo, al observarlas en directo.

PD: en esta imagen, realmente, tiene un aire con mi abuelo...a ver si al final iba a tener razon mi señora madre...

Eric White

Bueno la verdad que este es otro ilustrador realmente bueno tambien. Pero lo malo es que no he encontrado nada de su biografia que este en español, os pongo estas dos fotos y espero que os guste.

Para Pensar un Poco

http://www.petatv.com/tvpopup/video.asp?video=fur_farm&Player=wm&speed=med

ADVERTENCIA : el video que sale en el link puede dañar la sensivilidad de algunas personas por su extrema violencia.

Este link que aparece en el post del blog intenta concienciar un poco a las personas que lo lean, sobre la gravedad de una verdad que existe pero nadie nos queremos fijar en ella porque somos tan egoistas que no somos capaces de ayudar a nadie.
Es un video realmente bestia ( pq nose que adjetivo utilizar para descrivirlo ) que me dejo en estado de shock cuando lo vi por primera vez en el e.mail que me envio mi hermana. No fui capaz de verlo entero y las imagenes no paraban de repetirse en mi cabeza.Lo unico que pensaba despues de verlo era: menudos hijos de puta!!! quien les hace eso como quien se pone sus pieles!! Solo intento que almenos una persona sea consciente de lo que sufren unos seres, que no se pueden defender como una persona lo haria, solo para que unos cuantos y cuantas disfruten de sus pieles.
Aunque sea difundiendo este video hagamos que alguien abra los ojos, como yo he hecho,e intentemos cambiarlo.
Gracias a todas las personas que lo lean.

PD: se que es un blog de arte y no tiene nada que ver pero debia ponerlo.

Joe Sorren

Joe Sorren es un pintor/ilustrador abstracto cuyas obras destacan por un estilo inconfundible y original. En la mayoría de sus obras se aprecian sus pequeños y casi deformes personajes que en muchas ocasiones resultan infantiles pero todos con algo en común; miradas tristes y pensativas en lugares oscuros y de fantasía.
Al contemplar sus obras se podría apreciar una semejanza en cuando a concepto con el pintor Mark Ryder aunque se pueden diferenciar claramente por las tonalidades que ambos emplean en sus obras.
Mientras que Mark Ryder nos sorprende con colores vivos y al mismo tiempo fríos y con un toque mucho más siniestro, Joe Sorren se decanta más por las tonalidades oscuras que da sensación de desolación y perdición.
Este pintor sin duda alguna ha sido un gran descubrimiento para nosotros y pese a que apenas existe información podemos sumergirnos en sus verdaderas obras de arte y rodearnos de la soledad, el silencio y las atmósferas tristes y profundas que nos brinda este gran pintor abstracto.

kiki smith

Buenos dias, hoy toca: kiki smith (gracioso nombre, si XD)

Os dejo una pequeña briografia sacada de internet y una de las obras que me ha llamado la atencion a simple vista.
Debajo, una pagina de una galeria de arte donde hay varios artistas, entre ellos, kiki smith, por si quereis echarles un ojo a sus obras.

KIKI SMITH (Nuremberg 1954)

Escultora, pintora y artista de instalaciones estadounidense. En 1976 viaja a Nueva York, donde conoce al productor de cine C. Ahearn, quien la introduce en el grupo de artistas Collaborative. En 1979 realiza las primeras pinturas de la serie Miembros separados. Empieza a utilizar la anatomía de Gray como fuente de material. En 1987 realiza las primeras esculturas con papel, con el cuerpo como tema central.


Immortal (Monkey), 1999
Aquatint, hard ground etching
33" x 26-1/2"
















http://www.barbarakrakowgallery.com/bkg/index.php

abigail lane

Ayer, le enseñé algo de mi trabajo a la profa de fotograbado y al verlo, me habló de Abigail Lane, para variar no tenia ni idea de quien era esta artista, ni había visto nada de su obra nunca, pero me explicó un par de instalaciones que había hecho cuyas historias eran geniales.

Esta foto es de una de esas instalaciones, performances, o llamadle como querais (o como sea que se le llame a este tipo de arte).

Me explicó que esta mujer, paseando un día por la ciudad, se topó con un músico de jazz que tocaba en la calle, su música la transportó, de repente, a un espacio extraño, y entonces decidió que iba a utilizar esa música, que iba a utilizar a ese músico para recrear ese espacio en su próxima exposición.

Y así lo hizo, metió en una sala todo un decorado de bosque, puso una fuente en medio de la sala, vistió al músico de oso panda y le hizo meterse dentro de la sala a tocar esa música que le había llevado a ella a crear ese espacio…

La otra historia que me contó era de una sala a oscuras en la cual habia unos zapatos de los que salia un foco de humo….entrabas en la sala, y de repente un foco iba iluminando diferentes trozos de la pared donde salía un niño, vestido como de fauno, con unos pequeños cuernos, danzando de un lado a otro…

Intenté buscar su web oficial, o algo, pero no la encontré, de todas formas, os dejo su nombre por si queréis buscar o mirar algo de su obra:

ABIGAIL LANE

PD: si por un casual encontráis alguna página que esté bien de ella avisadme, porfa.

Monster Engine, lo que hay dentro de la cabeza de un niño

Hay pocas cosas más fascinates que la forma de entender un niño, de como rellenan los huecos que no comprenden del mundo con sus propias conclusiones, conclusiones hechas de un material que se pierde con el paso de los años. Uno de los terrenos donde esto es más evidente es en el dibujo. Un dibujo de un niño puede dejarte con la boca abierta tan solo por la idea que esboza, por eso cuando visite esta maravillosa web me quede fascinada, si me permiten semejante adjetivo. Se trata de The Monster Engine y trata sobre esa abstracción de las ideas infantiles. Y es que Dave Devrie tuvo la genial idea de utilizar todo su conocientos artísticos para plasmar dibujos infantiles de modo realista, reinterpretándolos y dándoles lo que posiblemente estaba en la mirada de los niños que hicieron estos dibujos. Así que el amigo Dave compensa su falta de imaginación fagocitando las ideas de los niños que le rodean y el resultado no puede ser mejor. Aquí tenéis un video del propio Dave explicando el proyecto, con varios ejemplos y con el proceso de creación de una de las criaturas.
http://www.themonsterengine.com/art.html

PD: os iba a dejar el video pero nose que le pasa que no puedo subirlo!!! os dejo el link Y vais a la pagina...

http://www.youtube.com/watch?v=LlD9PyVxu7w&eurl=http%3A%2F%2Fwww%2Ethemonsterengine%2Ecom%2Ftube%2Ehtml&v3

montmartre

el otro dia, echandoles un ojo a las fotos de París, encontré esta imagen.

La hice una tarde pasenado por Montmartre, era una de las galerias que habia por aquellas callejuelas.

La verdad es que me encantaron todos los cuadros que tenía alli expuestos, y al ver de nuevo esta imagen el otro día, me di cuenta que hay una pagina web escrita... os dejo el enlace

http://perso.orange.fr/andr.martinsdebarros/

Michael Hussar

Viendo el otro día un programa sobre tatuajes ( L.A Ink , Corey hace un tatuaje a unos de sus clientes de un retrato pìntado por él ) descubrí a un maravilloso artista. Cuando vi su obra me quede realmente fascinada por ella. Simplemente magnífica. La describiria como grotesca, sobrecargada, oscura, burlona y sobre todo como una pesadilla.
Michael Hussar - Las pinturas de este californiano nacido en 1964 son brutales y enigmáticas. Ha vendido sus cuadros a personajes famosos como Warren Beaty o Francis Ford Coppola. Algunos de sus cuadros dan verdadero miedo..

PD: Puede que a algunas personas les recuerde un poco al ilustrador Mark Raiden por su mundo surrealista.

laurie lipton

Leyendo el blog de una amiga descubrí a la artista creadora de esta imagen....os dejo la direccion de su página para que le echeis un ojo....

http://laurielipton.com/

Muere el mimo francés Marcel Marceau, mago del silencio

PARÍS (AFP) — El mimo francés Marcel Marceau, el más célebre del mundo, considerado el Charles Chaplin de las tablas, murió el sábado a los 84 años de edad, tras más de seis décadas de actuación, anunció este domingo su familia a la AFP.

Gracias a 'Bip', su personaje fetiche, un Pierrot de gestos aéreos, rostro blanco y boca rojo sangre, Marcel Marceau se dio a conocer en los teatros del mundo entero.

El primer ministro de Francia, François Fillon, saludó "al artista, al maestro, al resistente" que "encarnará para siempre al payaso melancólico y poético que era su doble". Con su muerte "Francia pierde a uno de sus más eminentes embajadores", declaró por su parte el presidente francés, Nicolas Sarkozy, mientras que la ministra de la Cultura, Christine Albanel, rindió homenaje a quien encarnaba el mimo "con poesía y ternura en las escenas del mundo entero".

Nacido el 22 de marzo de 1923 en Estrasburgo (este de Francia), Marcel Marceau llevó el arte del mimo a cumbres inalcanzadas, paseando por el mundo a 'Bip', el mítico Pierrot moderno que creó en 1947. "Entra en nuestras casas con paso de ladrón y con el terrible descaro del claro de luna", solía decir el artista francés Jean Cocteau de 'Bip', un chiflado de rostro blanco y ojos de sorpresa con la boca desgarrada de un trazo rojo, presa de las dificultades del mundo moderno.

Admirado como par de Charlie Chaplin y Buster Keaton en Estados Unidos, venerado en Japón, pero también en América Latina o en Rusia, el inventor de la marcha contra el viento había inspirado el estilo de baile 'Moonwalker', de Michael Jackson, e influenciado al bailarín ruso Rudolf Nureyev.

De apariencia frágil pero con gran vivacidad, Marceau fue el artífice del renacimiento, tras la Segunda Guerra Mundial, del arte de la pantomima, que había sido opacado por el cine mudo de Chaplin, Keaton o El Gordo y el Flaco (Laurel y Hardy).

Única 'troupe' de mimo en el mundo en los años 1950 y 1960, la Compañía Marcel Marceau actuó en los principales teatros de Francia y del extranjero, cosechando un gran éxito. De 1969 a 1971, Marceau animó la Escuela Internacional de Mimo, antes de crear la Escuela Internacional de Momodrama, en París, en 1978.

Reconocido en todo el mundo por su versatilidad teatral mímica, Marceau fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de Naciones Unidas sobre el Envejecimiento y se hizo merecedor de una gran cantidad de premios, incluyendo el Deburau (1948), además de dos premios Emmy por sus programas de televisión.

En 2005, a los 82 años, efectuó una gira de despedida por América Latina, que le llevó a Cuba, Colombia, Chile y Brasil. A principios de la década, Marceau todavía realizaba unas 250 representaciones por año en todo el mundo.

"La pantomima es un arte que hipnotiza. Es un leguaje universal", decía aquel que había descubierto su vocación riendo, cuando era niño, las farsas de Charlot en una sala de cine.

Durante un encuentro fortuito con Charlie Chaplin en 1967 en el aeropuerto Orly de París, Marceau había imitado a Charlot con su peculiar andar y su bastón, antes de besar a su 'dios' con lágrimas en los ojos, le gustaba recordar.

Hijo de un carnicero que murió deportado al campo de concentración nazi de Auschwitz, Marceau había entrado en la Resistencia francesa en 1944. "La gente que volvía de los campos de concentración no podía hablar, no sabía cómo contar. Yo me llamo Mangel y tengo orígenes judíos. Tal vez eso haya influido inconscientemente en mi elección del silencio", confió en una entrevista al diario francés Le Monde en 1997.

billy's balloon

no tiene desperdicio....si os gusta mirad más de este hombre, que tiene unos cuantos geniales, se llama Don Hertzfeldt

Entre Picasso y Dubuffet. La Colección Jean Planque

La exposición reúne 130 obras destacadas del coleccionista suizo Jean Planque (1910-1998), apasionado connaisseur que trabajó como asesor de la prestigiosa Galería Beyeler de Basilea. Entre los artistas representados, algunos de los más importantes del pasado siglo, están Pierre Bonnard, Paul Cézanne, Edgar Degas, Robert y Sonia Delaunay, Jean Dubuffet, Paul Gauguin, Juan Gris, Paul Klee, Fernand Léger, Manolo Millares, Claude Monet, Pablo Palazuelo, Pablo Picasso, Odilon Redon, Pierre-Auguste Renoir, Georges Rouault, Antoni Tàpies, y Vincent Van Gogh.

Como buen miércoles y día del museo, me acerco a ver la nueva exposión del museo de Bellas Artes Bilbao. Sinceramente, impresionante esta exposición temporal. Recomendables las obras de Juan Gris, Picaso, y Dubuffet. Imprescindible dedicar cinco minutos más a cada obra de Cézzane, Degas, Renoir, Monet y Van Gogh. Y una vez más, sigo sin cojer el gustillo a Tápies.
Conclusión, una exposición que no hay que dejar escapar.

Más información en: http://www.museobilbao.com/

Jean-Michel Basquiat

Es uno de los artistas que más me gustan, la verdad es que no se bien porque pero sus cuadros, esculturas,graffitis me encantan. Fue uno de los precursores del movimiento del graffiti en USA.

Jean-Michel Basquiat (1960 - 1988), pintor estadounidense.

Nació en Brooklyn, Nueva York, el 22 de diciembre de 1960, hijo de padre proveniente de Haití y madre de origen puertorriqueño. Su padre, Gerard Basquiat, era un contador de respetable solvencia económica, y su madre, Matilde, era una diseñadora gráfica de gran prestigio profesional. Creció en un entorno familiar desgarrado, sus padres se divorciaron y por esta situación tuvo que cambiar muchas veces de escuela. Estudió en una escuela católica privada, luego en una pública y a los 16 años ingresó en la City-As-School, un centro para adolescentes dotados del que lo expulsan por rebeldía un año antes de graduarse.

Ya en su juventud entró en contacto con la subcultura de la gran ciudad, y entre drogas y bandas callejeras que conseguían dinero de mala manera. En 1977, junto con Al Díaz, se introdujo en el mundo del graffiti, pintando en los vagones del metro y por las zonas del SoHo, barrio neoyorquino donde proliferan las galerías de arte.

Al año siguiente dejó la escuela un curso antes de graduarse en bachillerato (high school) y abandonó su casa para, durante dos años vivir en las calles, en edificios abandonados o con sus amigos en el Low Manhatan, sobreviviendo a base de vender postales y camisetas que él mismo decoraba. Seguía dedicándose al graffiti, sus pintadas y escritos tenían mucha carga poética y filosófica, pero sobre todo satírica. El pseudónimo de su alter ego compartido con Al Díaz (SAMO: siglas de same old shit, la misma vieja mierda) con el que firmaban cuando pintaban sus tags y graffitis, con crípticos mensajes fue decisivo en su vida.


Estos murales llevaban inscripciones como “SAMO salva idiotas” o “SAMO pone fin al lavado de cerebro religioso, la política de la nada y la falsa filosofía”. Un artículo sobre la escritura callejera de SAMO publicado en “The Village Voice” fue el primer indicio de que el mundo del arte se interesaba por él.

En la corta, pero intensa, actividad pictórica de J. M. Basquiat se pueden distinguir tres etapas:

- De 1980 a 1982, época en la que los graffiti sígnicos se mezclan con visiones callejeras y formas simbólicas de tradiciones culturales primitivas, como máscaras, esqueletos y calaveras.

- De 1982 a 1985, con obras pobladas de palabras-conceptos, imágenes vudú, totémicas y arcaizantes, retratos-homenajes a héroes negros- músicos de jazz, escritores, jugadores de baloncesto, boxeadores-, y referencias a la sociedad de consumo norteamericana

- De 1986 a 1988, período con cuadros cada vez más sofisticados en sus contenidos y en su compleja figuración pictórica, resuelta ésta con múltiples y fragmentarias citas de culturas primitivas o antiguas (africana, azteca, egipcia, grecorromana, etc.) pero también de la tradición pictórica europea. Como él mismo afirmó en más de una ocasión, el trabajo de J. M. Basquiat estuvo más cerca de la pintura, una pintura a mitad de camino entre la abstracción gestual y cálida y la figuración pospop, que del graffiti (“Mi trabajo no tiene nada que ver con los graffiti. Forma parte de la pintura. Yo siempre he pintado”).

Aqui os he puesto una breve biografia de este artista tan peculiar, espero que os guste.

potochó

echadle un ojo a esto....

Street Art : STENCILS

Las plantillas se han convertido en la práctica favorita de miles de artistas ( yo también me incluyo porque he tenido el placer de hacer algunas ) de todo el mundo, básicamente por la rapidez y la calidad que ofrece esta técnica. Podemos decir que las plantillas sí son graffiti ya que se pueden incluir dentro del concepto de ilegalidad que envuelve al término.

El origen como medio de expresión artística de las platillas se remonta al París de principios de los noventa, ciudad que quería marcar distancias con el graffiti oroginario de Nueva York, el cual había sido el único espejo de los artistas urbanos hasta la época.

Las plantillas o stencils son un vehículo más para que el artista exprese sus ideas, ya bien reivindicativas de cualquier hecho socio-político de la actualidad o para repetir infinitamente sus logos, dibujos y mensajes sobre cualquier superficie siempre bien a la vista del transeúnte.

Para crear una plantilla necesitamos cualquier material rigido, como por ejemplo: láminas de plástico, cartón, acetato, metal, madera e incluso radiografías. Una vez elegido el material se procede a dibujar o calcar el motivo con el que más tarde el artista " bombardeará " por toda la ciudad. Se pueden hacer varias platillas para una misma obra añadiendo distintas formas, colores y acabados más sugerentes. Así pues, el artista que trabaja con platillas sólo necesita tres elementos básicos para crear su obra:

IDEA + PLANTILLA + SPRAY

Una vez en la calle se trata de repetir el motivo con insitencia, marcando el territorio con las plantillas a modo de "tag". Cuantas más veces se repita el logo, mayor prestigio se causará entre los demás artístas que pintan en la calle.

ver o no ver -OpTiCaL ArT-

REFORMAS

he hecho reformas, el otro diseño de blog me liaba al leer, se veía extraño....espero que no os moleste el cambio, sino avisad y buscamos otro...
atentamente, josé luis menendez XDXD, que noooooo!!!! atentamente Yo

fragmento dadaísta

Interesante texto.... os marco algunos en negrita....son la pera estos dadaístas xD

¿Qué es el dadaísmo y qué pretende en Alemania?

El dadaísmo exige:

1.- La asociación revolucionaria internacional de todas las personas creativas e inteligentes del mundo entero sobre la base del comunismo radical.

2.- La introducción del desempleo progresivo mediante la mecanización integral de toda la actividad. Sólo a través del desempleo, el individuo tendrá la posibilidad de cerciorarse sobre la verdad de la vida y llegar a acostumbrarse a experimentar.

3.- La expropiación inmediata de la propiedad privada (socialización) y la alimentación comunista de todos, así como la construcción de ciudades luminosas y de ciudades jardín propiedad de todos e instrumentos para el desarrollo del hombre hacia la libertad.


El consejo central aboga por:

a) La alimentación diaria y pública de todas las personas creativas e inteligentes de la Postdamer Platz (Berlín).

b) El juramento de todos los religiosos y profesores a los principios dadaístas.

c) La lucha encarnizada contra todas las corrientes de los llamados trabajadores intelectuales (Hiller, Adler) y su condición de burgueses camuflados, así como contra el expresionismo y la enseñanza posclásica, tal como la defienden los del Sturm (revista cultural y galería de arte fundadas por H. Walden).

d) La instauración inmediata de una casa estatal del arte y la abolición del concepto de la propiedad en el arte nuevo (expresionismo), el concepto de la propiedad quedará eliminado completamente en el movimiento supraindividual del dadaísmo que libera a todos los hombres.

e) La introducción de la poesía simultánea como oración estatal comunista.

f) Confiscación de las iglesias para la representación de poemas bruitistas, simultáneos y dadaístas.

g) Constitución de un consejo asesor dadaísta en cada ciudad de más de 50.000 habitantes para la reorganización de la vida.

h) Realización inmediata de una propaganda megadadaísta con 150 circos a fin de ilustrar al proletariado.

i) Control de todas las leyes y disposiciones por el consejo central dadaísta de la revolución mundial.

j) Regulación inmediata de todas las relaciones sexuales en el sentido dadaísta internacional mediante la constitución de una central dadaísta del sexo.

El consejo central revolucionario dadaísta.
Grupo Alemania: Hausmann, Huelsenbeck

En Avant Dada. El club Dadá de Berlín. R. Huelsenbeck

Graffiti vs. Street Art

El Street art como su propio nombre indica, globaliza todas las incursiones artísticas realizadas en el paisaje urbano y es un derivado directo de los graffiti, que a finales de los años sesenta eran pintados en los vagones de tren en Harlem ( Nueva York).
Su filosofía y razón de ser han evolucionado como todas las artes y movimientos artísticos, a media que la sociedad va sufriendo cambios socio-políticos y culturales, pero su esencia continúa siendo la misma ( trangresora y contra sistema). Muchos artístas denominan a este movimiento evolutivo Post-Graffiti.

El nuevo concepto de arte urbano se resiste a quedar encerrado, en forma de graffiti dentro de una jaula hecha de paredes de fábricas de extrarradio. Su naturaleza es mucho más amplia que hace treinta años, podríamos hablar de un nuevo " renacimiento" , una explosión de creatividad, nuevas ideas y talento con miles de artistas de todo el planeta que exponen sus innovadoras obras de arte en la calle, utilizándolas como si de un gigantesco museo se tratase.

Como toda evolución el Stret art o Post-Garffiti ha traído consigo obviamente nuevas técnicas y estilos. Así los artístas utilizan además de sprays y rotuladores de tinta permanente, otras forma y materiales para llevar a cabo sus trabajos: plantillas, pegatinas, posters, pinturas acrílicas aplicadas con pincel, aerógrafo, tizas, carboncillo, collage a base de fotografías, fotocopias, mosaicos... Por otro lado muchos estudiantes y profesiionales del mundo del diseño gráfico utilizan el arte callejero para dar a conocer su trabajo, estudiando la reaccion de la gente y no dudando en firmar sus creaciones con direcciones e-mail, paginas web e incluso su número de telefono significando una huída de la pura esencia del graffiti, " efímero e ilegal".

De todas formas muchos artístas prescinden de la firma o "tag" pues no necesitan dejar patente su autoría o no quieren desequilibrar su obra y restarle sentido artístico.

Una de las mayores preocupaciones en el desarrollo y diseño de las ciudades en la actualidad es el llamado paisaje urbano. El Street art convierte las calles de las grandes ciudades en exposiciones de arte al aire libre, produciendo un importante impacto socio-cultural que permite una comunicación más universal, pues más personas que nunca antes habían pisado un museo quedan absorbidas por esta macro-exposición artística.

El "escritor" ( termino que adopta un artista convencional de graffiti ) crea su obra en función del sopoprte y las circunstancias, aprovechando las posibilidades que ofrece el paisaje urbano, así como sus accidentes. Fuera sde la calle los soportes pueden ser diversos, desde cartón, papel o lienzos que más tarde serán trasladados y expuestos en un sitio público, aunque para un "escritor" pintar fuera del ámbito de la calle no es un graffiti, ya que se aleja de lo "underground" aproximándose más al arte aceptado.

Aqui os pongo un video sobre lo escrito, espero que os guste.
http://www.youtube.com/watch?v=YnHpJW8N6cU

MOVIMIENTO NAJNYGJUISTA

Esto no es más que el principio de una iniciativa que un dia tomamos Eli y yo, nuestra idea era la de crear un movimiento artístico nuevo, y sobretodo, personal.

No es más, como ya he dicho antes, que el "inicio de un borrador sobre un primer texto del movimiento", pero poco a poco, espero que podamos darle mejor forma a las ideas.

Manifiesto Optimista de un movimiento najnygjuista

Najnygjuista significa n - a – d - a

Queremos creer que hay un arte libre, y que somos capaces de crearlo y estamos seguros de que lo vamos a intentar. Un arte abierto a todos, sencillo, sin tecnicismos ni palabrería. Llevando el arte a la gente, y la gente al arte.

Creemos en toda forma de creación, sin preferencias por ninguna, o por todas. No distinguimos entre obra mayor u obra menor. No nos importa la raza a la que pertenezca la obra, nos importan sus padres.

No hacemos arte por hacer arte*. Lo hacemos porque es un método de expresión, y una manera de llevar nuestras expresiones a vosotros, sin nada que imponer. Solo dando a conocer.

*arte.
(Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη).
1. amb. Virtud, disposición y habilidad para hacer algo.
2. amb. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.

Creemos en el Magenta, en el Cián y en el Amarillo. Pero también creemos en el Rojo, en el Verde y en el Azul. No olvidamos nunca el Blanco y el Negro. El orden de los factores no altera el producto.

Sabemos que con los colores primarios se puede crear un arco iris, y por ello los utilizaremos en la medida de lo posible. Sin embargo, también creemos que el negro podrá usarse en su estado puro y por ello no dotará al cuadro de artificialidad.

Nuestro movimiento nace del cansancio, de la desesperación. De ir a museos y no ver nada, de horas de pie, de tanta saturación de grandes maestros y alguna maestra. Del pay per view. De ese cansancio y de esa saturación renace el Fénix que nos lleva a crear. Hemos vendido a todas nuestras musas para comprar un lienzo, un pincel, cuatro colores, una cámara y un cincel. Hemos comprado también una goma de borrar, por si acaso, nunca uno sabe cuando se puede equivocar.

Hemos juntado nuestros colores y hemos conseguido una gran paleta donde entran todos los pinceles. Tenemos algo que decir, y animar a decir algo, animar a tener algo que decir.

Tenemos todos los medios a nuestra disposición, todas las casas donde habita la inspiración. Técnicas inimaginables que se transforman también en bestias, es nuestro mundo de sofás, televisores, ordenadores...nos hundimos en la nada ante ellos, esperando que nos muestren el camino, no nos adentramos en ellos buscando un camino hacia la imaginación. No todos lo hacemos.

No queremos imponer nuestros pensamientos, queremos darlos a conocer, no somos amigos de dictadores de conciencia y sin embargo crucificamos a los que no hacen nada por hacer algo mejor. No creemos que este manifiesto llegue a algún lado, pero sin embargo lo escribimos.

Obviamos la supremacía del color, pero también de la forma. Podemos contar una historia en siete minutos, y en una hora y media. Hacer música sin partituras y escribir las mejores corcheas jamás ordenadas. Creemos en la fotografía analógica, en la digital, en el barro, en la madera, en el plástico. Creemos que todo es posible.

Después de tanto mal visto posible tiene que venir, por qué no, algún bien.

cadáver exquisito

la idea de crear este blog era la de tener un rincón donde almacenar nuestros pensamientos sobre el arte y todo el mundo que le rodea...a ver que sale de esta iniciativa.

Queremos que entres y dejes tu opinión, compartas aquí tu visión y todas las ideas que vagan en tu mente sobre ese universo que es el arte.